La obra de Vivian Galban se despliega en el campo de la fotografía, cuestionando el soporte y los procesos fotográficos en la contemporaneidad. Su actividad académica, rol docente y trabajo en tecnología aplicada, son parte de su investigación artística. Vivian Galban somete el orgullo del retrato como género de representación con sólidas raíces en la historia del arte, a la disolución.
Tras años de trabajar obsesivamente sobre la misma figura, ahora ella esconde su mirada y se escabulle de la fijación fotográfica. De cerca, se reduce a un campo informe y titilante de manchas de color. En otro movimiento, la artista hace regresar al cuerpo hacia el origen de aquellos misterios que la individuación moderna exorcizaba. “Bruma” (2013), “Valley of the Yosemite, from Rocky Ford-1872” (2015) y “Exposición en tiempo real” (2019) son algunos de sus trabajos más destacados donde Galbán muestra un amplio abanico de recursos técnicos para abordar experimentaciones que pasan del plano cuasi pictórico -jugando con la composición-descomposición de la imagen-, las técnicas de apropiación de las imágenes, interviniéndolas, diseccionando los soportes y disolviéndolas en placas de vidrio, hasta llegar a la “muestra relacional”, un formato que le permite a la artista ejercer una profunda experimentación con el soporte analógico, involucrando activamente al espectador en el proceso y en su obra resultante. Es toda su obra en general, el producto de un punto de vista que hace hincapié en los distintos conceptos y técnicas fotográficas más allá de los límites del propio medio, priorizando los procedimientos empleados por sobre la imagen final, una imagen que se debate entre lo que se intuye como forma y lo que se desvanece como tal, sumando al debate a otras prácticas artísticas desde un lugar interactivo, performatico e inclusive digital.
Vivian Galban’s work unfolds in the field of photography, questioning the support and photographic processes in contemporary times. Her academic activity, teaching role and work in applied technology are part of her artistic research. Vivian Galban subjects the pride of the portrait as a genre of representation with solid roots in art history, to dissolution.
After years of obsessively working on the same figure, now she hides her gaze and slips away from the photographic fixation. Up close, it is reduced to a shapeless, flickering field of colored spots. In another movement, the artist makes the body return to the origin of those mysteries that modern individuation exorcised. “Mist” (2013), “Valley of the Yosemite, from Rocky Ford-1872” (2015) and “Exposure in real time” (2019) are some of her most outstanding works where Galbán shows a wide range of technical resources to address experiments that go beyond the quasi-pictorial plane -playing with the composition-decomposition of the image-, the techniques of appropriation of the images, intervening them, dissecting the supports and dissolving them in glass plates, until reaching the “relational exhibition”, a format that allows the artist to exercise deep experimentation with analogue support, actively involving the viewer in the process and in the resulting work. All her work in general, is the product of a point of view that emphasizes the different concepts and photographic techniques beyond the limits of the medium itself, prioritizing the procedures used over the final image, an image that is debated between what is intuited as form and what fades as such, adding to the debate other artistic practices from an interactive, performatic and even digital place.
Vivian Galban (Buenos Aires, Argentina, 1969), fotógrafa especializada en la investigación de soportes, procesos y tecnología contemporánea aplicada a la creación artística, estudió arquitectura en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires (1993) y realizó el Postgrado de Conservación y Rehabilitación del Patrimonio Arquitectónico en la misma Institución (1996). Fundó la primera Agencia Interactiva de Desarrollo Multimedia: MediaLab Argentina, Buenos Aires y Ciudad de México (1996/2012) y el primer Centro de Maquetación y Modelado 3d en Buenos Aires (1994/1996). Participó de la residencia Artist Draft Program en Kyoto Art Center, Japón (2005) y realizó la especialización Beyond The Silver Gelatin Print en Penumbra Foundation, Nueva York (2018).
Sus obras fueron seleccionadas en el Premio Buenos Aires Photo (2015); en la Bienal ArtexArte (2015); en el concurso Metrovías Fotografía Contemporánea (2011) y participó con la serie “Entre el cielo y la tierra” de la XVII Bienal de Artes Visuales de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia (2010). Participó en múltiples ferias nacionales como internacionales entre las que se destacan arteBA, Argentina (2016), Lima Photo, Perú (2012/2017), ArtBo, Colombia (2013) y Zona Maco, México (2013/2014), entre otras. Ha realizado workshops y seminarios en Usina de Arte, Buenos Aires (2018), Centro de Fotografía de Montevideo (2017), Museo de Arte Contemporáneo Buenos Aires (2014/2016), Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2015). Actualmente dirige la cátedra de “Estética, Arte y Cultura Contemporánea” en el Instituto de Arte Fotográfico y Técnicas Audiovisuales de la Universidad Nacional de Avellaneda, Buenos Aires. Sus obras participaron de muestras tales como “Valley of the Yosemite, from the Rocky Ford, 1872” en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) con curaduría de Teresa Riccardi (2016); Solo Show en Lima Photo con Rolf Art (2016); “No sabemos lo que puede un cuerpo” en Rolf Art con curaduría de Valería Gonzalez (2014), “Chroma – exterior noche/ interior día” Zicarelllo, Galbán curada por Graciela Taquini en Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2015). Su obra también fue parte de las siguientes muestras colectivas (selección): Res, Assef, Herbstein, Mangiante, Brodsky, Bianchi, Toto Blake y Galbán en Rolf Art (2011); Medici, Doffo, Galbán en Galería Rubbers Internacional (2012).
Vivian Galban (Buenos Aires, Argentina, 1969), photographer specialized in the research on supports, processes and contemporary technology applied to artistic creation, studied architecture at Faculty of Architecture and Urbanism of the University of Buenos Aires (1993) and completed the Postgraduate for the Conservation and Rehabilitation of Architectural Heritage in the same Institution (1996). She founded the first Interactive Multimedia Development Agency: MediaLab Argentina, Buenos Aires and Mexico City (1996/2012) and the first 3D Staging and Modeling Center in Buenos Aires (1994/1996). She participated in the Artist Draft Program residency at Kyoto Art Center, Japan (2005) and completed the Beyond The Silver Gelatin Print specialization at Penumbra Foundation, New York (2018).
Her works were selected in the Buenos Aires Photo Award (2015); at the ArtexArte Biennial (2015); in the Metrovías Contemporary Photography contest (2011) and participated with the series ” Between heaven and earth” at the XVII Biennial of Visual Arts in Santa Cruz de la Sierra, Bolivia (2010).She participated in multiple national and international fairs, among which stand out arteBA, Argentina (2016), Lima Photo, Peru (2012/2017), ArtBo, Colombia (2013) and Zona Maco, Mexico (2013/2014), among others. She has held workshops and seminars at Usina de Arte, Buenos Aires (2018), Photography Center of Montevideo (2017), Museum of Contemporary Art Buenos Aires (2014/2016), Recoleta Cultural Center, Buenos Aires (2015). She currently directs the academic class of “Aesthetics, Art and Contemporary Culture” at the Institute of Photographic Art and Audiovisual Techniques of the National University of Avellaneda, Buenos Aires. Her works participated in exhibitions such as “Valley of the Yosemite, from the Rocky Ford, 1872” at the Museum of Contemporary Art of Buenos Aires (MACBA) with curatorship by Teresa Riccardi (2016); Solo Show in Lima Photo with Rolf Art (2016); “We do not know what a body can” in Rolf Art curated by Valería Gonzalez (2014), “Chroma – exterior night/interior day” Zicarelllo, Galbán curated by Graciela Taquini at the Recoleta Cultural Center, Buenos Aires (2015). Her work was also part of the following group shows (selection): Res, Assef, Herbstein, Mangiante, Brodsky, Bianchi, Toto Blake and Galbán in Rolf Art (2011); Medici, Doffo, Galbán at Galería Rubbers Internacional (2012).
De la serie “Exposición en tiempo real”, 2019
Fotos de sala/ instalación
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De la serie “Exposición en tiempo real”, 2019
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De la serie “Exposición en tiempo real”, 2019
Documento de archivo – proceso de construcción de Camera Obscura
Maquetación y modelado 3D de sistema de lentes y de planta
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Layout and 3D modeling of lens and plant system
De la serie “Exposición en tiempo real”, 2019
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De la serie “Exposición en tiempo real”,
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Maquetación y modelado 3D de sistema de lentes y de planta
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De la serie “Exposición en tiempo real”,
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Maquetación y modelado 3D de sistema de lentes y de planta
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LA FOTOGRAFÍA COMO EXPERIENCIA DE LO COMÚN
“…cuanto más profunda sea la lejanía que una mirada tendrá que superar, más fuerte será el encantamiento que emana de ella”
Walter Benjamin
Como practica social, la fotografía no se agota en la imagen. Hay un antes, un después y un durante. Toda una secuencia de gestos y pactos que, confun- diendo los límites entre objeto y sujeto, componen un horizonte de sucesos. Para algunos, una micro-versión de la muerte, un paréntesis, una ciencia de fantasmas que abre diversos usos del tiempo, disponiendo además una perspectiva de las cosas y un relato posible.
Exposición en tiempo real, desde su mismo título, propone un movimiento de fuga. A contrapelo, este proyecto comporta una manera de entender y practicar la fotografía por fuera del producto terminado, es decir, por fuera de sus usos comerciales más frecuentes. Pensar los procedimientos técnicos en un campo expandido, dentro un sistema de circulación más amplio: una vitalidad de agentes naturales y artificiales, humanos y no-humanos. Incluso aquellos actores que normalmente no percibimos por abstractos o invisibles, pero que tiene una participación directa en el proceso. Pienso, por ejemplo, en los químicos y las lentes o, de forma más incognoscible, en la vida de una imagen. Con todo, del lado del espectador, esta exposición no sólo se visita. Se participa mientras actúan un sinfín de realidades de distinta naturaleza. La fotografía como coreografía: red de afectos y efectos: esto es, cuando la tecno- logía es comprendida no como un gadget sino como un dispositivo complejo inserto en un sistema de procedimientos y disciplinas que dan forma a lo político. O lo que es lo mismo: cómo Vivian Galban, en esta ocasión más inductora y cómplice que autora, empuja el lenguaje fotográfico a un campo de agencia colectiva, a un hacer en común, que hace foco en la idea de performatividad.
Unas concisas instrucciones sobre el muro reciben al espectador. Aunque desde el exterior de la galería ya puede verse la cámara obscura de madera proyectada por Galban. De madera, sus dimensiones y su escala, superior a la humana, hacen pensar en una instalación, un environment o, como diría Joseph Beuys, una escultura social: un marco societario donde convergen pensamiento, acción y objetos. De manera escueta, en modo demostrativo, el texto incita a resistir el tiempo de exposición y dejar la huella de cada visita. Sostener la presencia, ahora que casi no contamos con tiempo para descansar. Experimentar de nuevo una cierta quietud, lentificarse, como hoy reivindican diversos colectivos que abogan por una slow life, más sana, menos patológica. Vivan Galban concibe su trabajo como un ida y vuelta de la fotografía, del lado de una serie de movimientos y agentes que no pueden faltar en una perfor- mance. Espacio, tiempo y cuerpo: aquello que Walter Benjamin llamó aura: no una cualidad, más bien un nudo o una red que nos envuelve al contacto con la obra de arte. Porque por aura, además de cuestiones que abordan la ya agotada discusión entre original, simulacro y copia, podemos entender una cierta capacidad de afecto, casi trascendental, un momentum. El instante mágico de un encuentro, cuando la cosa puede devenir otra. Ahora bien ¿qué sería lo que se transforma en Expsición en tiempo real? ¿Es la realidad que ve como se desprende una imagen de su piel? ¿Es el transcurrir del tiempo que, de repente, se ve desafiado? ¿O se trata de algo que acontece tanto a nivel molecular, por partida doble, en nuestro propio cuerpo y en el espacio de exposi- ción?
Hay, además, otro factor que habilita el pensar este proyecto como una escultura social o, directamente, como una performance. Algo ciertamente inusual en el contexto de una galería como Rolf, dedicada a la exposición y contemplación de fotografía contemporánea. Me refiero a cómo en este caso la artista pone el cuerpo, una frase convertida en eslogan por ciertas lecturas del pensamiento y la filosofía más actual. No en vano, más allá de cómo todo autor se camufla detrás de su obra, Vivian Galban toma parte activa de la red de entidades que dan cuerpo a Exposición en tiempo real. Es ella misma quien llevará a cabo el revelado de la imagen. En directo, en la propia sala de exposiciones, pero escondida dentro de la cámara oscura, que los visitantes son invitados a pasear como quien se adentra en un laberinto. Un lugar habitualmente vetado al público, que aquí abre sus puertas para que podamos atestiguar el volverse real de lo invisible. Imposible no volver atrás en el tiempo y pensar en aquellos pioneros que, hasta bien entrado el siglo XX, recorrían las rutas con sus camionetas-estudios. La fotografía como forma de vida nómada, como errancia, también en tanto que proceso a veces fallido, una veladura y una imagen latente. Un momento lejano que hoy sentimos con ternura, en paralelo a una cierta fascinación, casi fetichista, por las cámaras, la película y el revela- do analógico. Justo cuando la circulación y producción digital de imágenes parece amenazar la materialidad misma de nuestras vidas, esto es, cuando la reproductibilidad infinita y la posproducción proponen una nueva ontología visual.
Aunque a la vista de cómo las técnicas nobles se niegan a desaparecer, y no sólo de ciertas esferas de iniciados, tampoco hay razón para anunciar la muerte de la fotografía. Con todo, la tecnología, al margen de cómo Tacita Dean celebró la muerte del film de 16mm, es siempre acumulativa. Se metamorfosea por sustratos bifurcándose en soportes y modos de empleo distintos, donde perviven anacronías, querencias y deseos visuales anteriores incluso al nacimiento de la misma fotografía. De esta forma, la propuesta de Galbán no se reduce a un gesto nostálgico. Esta no es una reivindicación vintage de los procesos foto-químicos. O al menos los procesos foto-químicos no constituyen el centro de su proyecto. Lo interesante aquí es compartir, poner en común un tiempo y un espacio. Ya que se trata, más bien, de un llamado a comprender la imagen en su sentido vincular, como un vehículo para articular y poner en marcha una cierta circulación social y material. Una sinfonía como la que, en conjunto, compondrán las imágenes de los visitantes que se detengan delante de la cámara obscura de Galban, montadas a la pared de la galería según avanza una muestra que se mantiene viva hasta su mismo final. Por lo tanto, a lo sumo, podríamos hablar de cómo Exposición en tiempo real evidencia de qué manera toda fotografía entraña, esencialmente, un pasaje o un movimiento. Una danza que, como evidenciarán las diferencias entre cada imagen expuesta, es cada vez más difícil de contener.
Poco o nada queda, en ese sentido, de aquel famoso “detener el tiempo” o de la imagen “para la eternidad” que, supuestamente, constituía la magia y el encanto último de la fotografía. Los poderes de la alquimia apuntan en otra dirección. Más interesante, sin duda, es lo que propone una exposición que, superando el marco del arte relacional, se emparenta con algunos experimentos coreográficos propuestos por curadores como Raimundas Malasauskas, con sus lecturas expandidas de lo que puede un objeto artístico o una exposición. Visiones y sobre todo acciones que, como decíamos, superan el vínculo que estableciera Nicolas Borriueud entre espectador y obra, ampliado ahora a la capacidad de agencia y afecto de toda una red de entidades y perspecti- vas que operan al margen de activación alguna. Es, de alguna forma, una actualización de arte situacional propuesto por Michael Asher a finales de los años sesenta, más abierta a los misteriosos efectos del espacio que a la disciplina que impone el museo o la galería. Porque admitámoslo: no hay nada más ridículo y petulante que eso de activar muestras una vez han sido inauguradas, como si no estuviesen vivas sin la presencia de humanos, como si necesitasen de la mirada del espectador para existir. Así, sugiere Peter Pal Pelbart, a veces es cuestión de actuar y de dejarse actuar por y con los otros. Detenerse un momento. No hacer. Suspender nuestra voluntad para fundirnos con los otros en un espacio común, sin intención ni interés. En otras palabras: plantarse ante la cámara de Vivían Galban y confiar-se, para experimentar a la manera de un juego la visita a Exposición en tiempo real. Abandonarse, como quien se entrega a un acontecimiento de resonancias impredecibles.
Alfredo Aracil
Febrero 2019, Buenos Aires, Argentina
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
From the series Real-time exhibition
Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
From the series Real-time exhibition
Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
From the series Real-time exhibition
Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
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Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
From the series Real-time exhibition
Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
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Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
From the series Real-time exhibition
Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
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Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
From the series Real-time exhibition
Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
From the series Real-time exhibition
Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
From the series Real-time exhibition
Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
From the series Real-time exhibition
Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
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Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
From the series Real-time exhibition
Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
From the series Real-time exhibition
Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
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Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
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Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie Registro fotográfico de la acción – Consigna #1 | Resistir la exposición
From the series Real-time exhibition
Photographic action recor – Stage #1 | Resisting exposure
De la serie «Exposición en Tiempo Real», 2019
Documento de archivo | Registro de la acción | Circuito cerrado cámara infrarroja proyectado en TV
From the series «Real-time exhibition» | 2019
Document | Closed circuit action record with infra red camera displayed on TV
De la serie «Exposición en Tiempo Real», 2019
Documento de archivo | Selección de frames | Registro de la acción -cámara espía.
From the series «Real-time exhibition» |
Document | frames selection – Action record with spy camera.
De la serie «Exposición en Tiempo Real», 2019
Documento de archivo | Selección de frames – Registro de la acción -4K cámara.
From the series «Real-time exhibition» | 2019
Document | frames selection – Action record with 4K camera.
Atravesado por una serie de discusiones en torno a la imagen y sus signos, un inteligente texto de Rosalind Krauss escrito en 1981, nos revelaba por primera vez que la vanguardia debía entenderse menos como un gesto de afirmatividad que como un discurso cuyos mitos y leyendas solía camuflar su principal legado: la novedad. Lejos de tratarse de un lenguaje que revelase lo extraordinario o que plantease que lo único evidente en el arte es que ya nada es evidente -como afirmaba Theodore Adorno-, el mecanismo oculto de la vanguardia en la era posmo había dejado como consecuencia dos procedimientos: la repetición y la apropiación.
Valle del Yosemite, de Rocky Ford (1872) de Eadweard Muybridge, es la imagen de la que Galban se apropia. Aqui, se hace visible el origen de aquel eterno retorno que nos propone la artista. Partiendo de una imagen digital, Galban selecciona el encuadre, disecciona los soportes y disuelve la imagen usando y apropiando la techné de la historia de los dispositivos fotográficos. En su presentación se destacan las placas de vidrio ubicadas de forma contigua y yuxtapuesta, reforzando el relato redondo y diferencial que se aleja de una modernidad narrada, para pensar cómo se deconstruye el relato de la fotografía, sin los mecanismos progresivos de linealidad y continuidad.
Si la apropiación se vuelve uno de los sistemas que estructuran la obra, la repetición es el positivo de esta realidad retratada. Encarnadas en placas de vidrio con técnicas de colodión húmedo, o en falsos daguerrotipos, ambrotipos, gelatina de plata, postales o en proyecciones de luz. La operatoria de poner el foco en los procedimientos fotográficos empelados -y no en la imagen resultante- liga el trabajo de Galban a un conjunto de artistas contemporáneos, cuyo principal cuestionamiento se basa en los procesos de fijación de la imagen, y del soporte fotográfico.
Con pocos elementos liberados al azar, a excepción de esa mancha casi plástica del colodión, Galban versiona imágenes de uno de los pioneros de la fotografía modernista. Recordar las estrategias apropiacionistas que Krauss proponía revelar significa cerrar el círculo.
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Gelatina de plata sobre papel fibra Ilford.
Ampliación del ambrotipo original.
30 x 40 cm en papel de 68 x 87 cm.
Pieza única
From the series Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872)
2015
Gelatin silver print on Ilford fiber paper. Enlargement of the original ambrotype.
11,8 x 15,7 in on a 26,7 x 34,2 in paper.
Unique piece.
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Gelatina de plata sobre papel fibra Ilford.
Ampliación del ambrotipo original.
30 x 40 cm en papel de 68 x 87 cm.
From the series Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872)
2015
Gelatin silver print on Ilford fiber paper. Enlargement of the original ambrotype.
11,8 x 15,7 in on a 26,7 x 34,2 in paper.
Unique piece.
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Gelatina de plata sobre papel fibra Ilford.
Ampliación del ambrotipo original.
30 x 40 cm en papel de 68 x 87 cm.
From the series Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872)
2015
Gelatin silver print on Ilford fiber paper. Enlargement of the original ambrotype.
11,8 x 15,7 in on a 26,7 x 34,2 in paper.
Unique piece.
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Gelatina de plata sobre papel fibra Ilford.
Ampliación del ambrotipo original.
30 x 40 cm en papel de 68 x 87 cm.
From the series Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872)
2015
Gelatin silver print on Ilford fiber paper. Enlargement of the original ambrotype.
11,8 x 15,7 in on a 26,7 x 34,2 in paper.
Unique piece.
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Gelatina de plata sobre papel fibra Ilford.
Ampliación del ambrotipo original.
30 x 40 cm en papel de 68 x 87 cm.
From the series Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872)
2015
Gelatin silver print on Ilford fiber paper. Enlargement of the original ambrotype.
11,8 x 15,7 in on a 26,7 x 34,2 in paper.
Unique piece.
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Gelatina de plata sobre papel fibra Ilford.
Ampliación del ambrotipo original.
30 x 40 cm en papel de 68 x 87 cm.
From the series Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872)
2015
Gelatin silver print on Ilford fiber paper. Enlargement of the original ambrotype.
11,8 x 15,7 in on a 26,7 x 34,2 in paper.
Unique piece.
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Gelatina de plata sobre papel fibra Ilford.
Ampliación del ambrotipo original.
30 x 40 cm en papel de 68 x 87 cm.
From the series Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872)
2015
Gelatin silver print on Ilford fiber paper. Enlargement of the original ambrotype.
11,8 x 15,7 in on a 26,7 x 34,2 in paper.
Unique piece.
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Gelatina de plata sobre papel fibra Ilford.
Ampliación del ambrotipo original.
30 x 40 cm en papel de 68 x 87 cm.
From the series Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872)
2015
Gelatin silver print on Ilford fiber paper. Enlargement of the original ambrotype.
11,8 x 15,7 in on a 26,7 x 34,2 in paper.
Unique piece.
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Gelatina de plata sobre papel fibra Ilford.
Ampliación del ambrotipo original.
30 x 40 cm en papel de 68 x 87 cm.
From the series Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872)
2015
Gelatin silver print on Ilford fiber paper. Enlargement of the original ambrotype.
11,8 x 15,7 in on a 26,7 x 34,2 in paper.
Unique piece.
De la serie VALLEY OF THE YOSEMITE, FROM ROCKY FORD (1872)
Ambrotipo
Colodión húmedo sobre placa de vidrio en estructura de madera y acrílico
13 x 18 cm. en estructura de 34 x 22 x 4,5 cm.
Pieza única
From the series VALLEY OF THE YOSEMITE, FROM ROCKY FORD (1872)
Ambrotype
Wet collodion on glass plate in wooden and plexiglass
5,1 x 7 in. in a structure of 13,4 x 8,7 x 1,8 in.
Unique piece
De la serie VALLEY OF THE YOSEMITE, FROM ROCKY FORD (1872)
Ambrotipo
Colodión húmedo sobre placa de vidrio en estructura de madera y acrílico
13 x 18 cm. en estructura de 34 x 22 x 4,5 cm.
Pieza única
From the series VALLEY OF THE YOSEMITE, FROM ROCKY FORD (1872)
Ambrotype
Wet collodion on glass plate in wooden and plexiglass
5,1 x 7 in. in a structure of 13,4 x 8,7 x 1,8 in.
Unique piece
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Gelatina de plata sobre papel fibra Ilford.
Ampliación del ambrotipo original.
30 x 40 cm en papel de 68 x 87 cm.
From the series VALLEY OF THE YOSEMITE, FROM ROCKY FORD (1872)
Ambrotype
Wet collodion on glass plate in wooden and plexiglass
5,1 x 7 in. in a structure of 13,4 x 8,7 x 1,8 in.
Unique piece
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Gelatina de plata sobre papel fibra Ilford.
Ampliación del ambrotipo original.
30 x 40 cm en papel de 68 x 87 cm.
From the series VALLEY OF THE YOSEMITE, FROM ROCKY FORD (1872)
Ambrotype
Wet collodion on glass plate in wooden and plexiglass
5,1 x 7 in. in a structure of 13,4 x 8,7 x 1,8 in.
Unique piece
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Gelatina de plata sobre papel fibra Ilford.
Ampliación del ambrotipo original.
30 x 40 cm en papel de 68 x 87 cm.
From the series VALLEY OF THE YOSEMITE, FROM ROCKY FORD (1872)
Ambrotype
Wet collodion on glass plate in wooden and plexiglass
5,1 x 7 in. in a structure of 13,4 x 8,7 x 1,8 in.
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Gelatina de plata sobre papel fibra Ilford.
Ampliación del ambrotipo original.
30 x 40 cm en papel de 68 x 87 cm.
From the series VALLEY OF THE YOSEMITE, FROM ROCKY FORD (1872)
Ambrotype
Wet collodion on glass plate in wooden and plexiglass
5,1 x 7 in. in a structure of 13,4 x 8,7 x 1,8 in.
Unique piece
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Gelatina de plata sobre papel fibra Ilford.
Ampliación del ambrotipo original.
30 x 40 cm en papel de 68 x 87 cm.
From the series VALLEY OF THE YOSEMITE, FROM ROCKY FORD (1872)
Ambrotype
Wet collodion on glass plate in wooden and plexiglass
5,1 x 7 in. in a structure of 13,4 x 8,7 x 1,8 in.
Unique piece
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Vista de instalación
From the series VALLEY OF THE YOSEMITE, FROM ROCKY FORD (1872)
Installation view
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872),
Gelatina de plata sobre papel fibra Ilford.
Ampliación del ambrotipo original.
30 x 40 cm en papel de 68 x 87 cm.
From the series VALLEY OF THE YOSEMITE, FROM ROCKY FORD (1872)
Ambrotype
Wet collodion on glass plate in wooden and plexiglass
5,1 x 7 in. in a structure of 13,4 x 8,7 x 1,8 in.
Unique piece
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872)
Instalación
Lente de gran formato antiguo, lupas plano-convexas condensadoras, ambotipo negativo y luz Micro Le
120x90x50cm
Pieza Unica
From the series VALLEY OF THE YOSEMITE, FROM ROCKY FORD (1872)
Installation
Old large-format lens, flat-convex condenser magnifying glasses, negative ambrotype and Micro Led light
47,2×35,4×19,6in
Unique piece
De la serie Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872)
Instalación
Lente de gran formato antiguo, lupas plano-convexas condensadoras, ambotipo negativo y luz Micro Le
120x90x50cm
Pieza Unica
From the series VALLEY OF THE YOSEMITE, FROM ROCKY FORD (1872)
Installation
Old large-format lens, flat-convex condenser magnifying glasses, negative ambrotype and Micro Led light
47,2×35,4×19,6in
Unique piece
La serie Bruma sigue una composición-descomposición de la imagen hasta convertirla en algo parecido a una pintura abstracta. Ahonda en la búsqueda de abstracción plástica del cuerpo. Vivian Galban ensaya la capacidad de la fotografía de disolver los límites sin perder del todo la figuración, tratando así de establecer una doble lectura: lo que se intuye como forma y lo que se desvanece como tal.
La actitud de Vivan Galban posee un anclaje en el yo, en su búsqueda de la otredad. Sus referentes y obsesiones abrevan del expresionismo, donde se reconoce una tendencia a un cierto sentimiento trágico de la vida, a la obsesión. Las figuras se disuelven o se rebelan tratando de escapar del encuadre. La artista indaga la capacidad de la luz para mezclar los colores sin la existencia de la materia. En la toma directa digital, el color se marida aleatoriamente, con lo cual lo inesperado aparece posteriormente plasmado. La puesta en escena desnuda un aspecto de la condición humana. Aquí, sus mujeres de espalda son manchas coloridas, evanescentes, elusivas y a la vez inalcanzables. De alguna manera subyace una épica, un relato abierto.
De la serie Bruma
2013
Impresión sobre papel metalizado
115 x 75 cm
Edición 3 + A/P
From Mist series
2013
Print on metallized paper
45,2 x 29,5 in
Edition 3 + A/P
De la serie Bruma
2013
Impresión sobre papel metalizado
115 x 75 cm
Edición 3 + A/P
From Mist series
2013
Print on metallized paper
45,2 x 29,5 in
Edition 3 + A/P
De la serie Bruma
2013
Impresión sobre papel metalizado
115 x 75 cm
Edición 3 + A/P
From Mist series
2013
Print on metallized paper
45,2 x 29,5 in
Edition 3 + A/P
De la serie Bruma
2013
Impresión sobre papel metalizado
115 x 75 cm
Edición 3 + A/P
From Mist series
2013
Print on metallized paper
45,2 x 29,5 in
Edition 3 + A/P
De la serie Bruma
2013
Impresión sobre papel metalizado
115 x 75 cm
Edición 3 + A/P
From Mist series
2013
Print on metallized paper
45,2 x 29,5 in
Edition 3 + A/P
De la serie Bruma
2013
Impresión sobre papel metalizado
115 x 75 cm
Edición 3 + A/P
From Mist series
2013
Print on metallized paper
45,2 x 29,5 in
Edition 3 + A/P
De la serie Bruma
2013
Impresión sobre papel metalizado
115 x 75 cm
Edición 3 + A/P
From Mist series
2013
Print on metallized paper
45,2 x 29,5 in
Edition 3 + A/P
De la serie Bruma
2013
Vista de instalación
From Mist series
2013
Installation view
En el surgimiento de la Modernidad, junto a la invención del individuo, nació el género del retrato. El ser humano quiso separarse del entramado de relatos misteriosos que empastaban la Tierra con las divinidades, y las personas con las bestias, y asegurarse una identidad distintiva. En su serie Cimbrar, Vivian Galban somete el orgullo del retrato a la disolución. Compuesta por una secuencia de cajas de luz, tiempo y espacio somete el cuerpo a una línea de fuga que lo vuelve impreciso e inasible, como una suerte de Muybridge fantasmático. Después de años de trabajar obsesivamente sobre la misma modelo, con un tratamiento hiperrealista, esconde su mirada y se escabulle de la fijación fotográfica. De cerca, se reduce a un campo informe y titilante de manchas y de agitaciones. Aún aquello que es objeto de nuestra atención, se escurre como el inconcebible universo. Allí donde la semejanza se esfuma, revela la fotografía su poder distintivo porque, aún indescifrable, se trata de la huella material de una existencia.
De la serie Cimbar
2013
Caja de luz en acero plegado
Impresión fotográfica en duratrans
24 x 16 cm
Edición 3 + A/P
From the series Tuning
2013
Folded steel backlight
Photographic print in duratrans
9,4 x 6,2 in
Edition 3 + A/P
De la serie Cimbar
2013
Caja de luz en acero plegado
Impresión fotográfica en duratrans
24 x 16 cm
Edición 3 + A/P
From the series Tuning
2013
Folded steel backlight
Photographic print in duratrans
9,4 x 6,2 in
Edition 3 + A/P
De la serie Cimbar
2013
Caja de luz en acero plegado
Impresión fotográfica en duratrans
24 x 16 cm
Edición 3 + A/P
From the series Tuning
2013
Folded steel backlight
Photographic print in duratrans
9,4 x 6,2 in
Edition 3 + A/P
De la serie Cimbar
2013
Caja de luz en acero plegado
Impresión fotográfica en duratrans
24 x 16 cm
Edición 3 + A/P
From the series Tuning
2013
Folded steel backlight
Photographic print in duratrans
9,4 x 6,2 in
Edition 3 + A/P
De la serie Cimbar
2013
Caja de luz en acero plegado
Impresión fotográfica en duratrans
24 x 16 cm
Edición 3 + A/P
From the series Tuning
2013
Folded steel backlight
Photographic print in duratrans
9,4 x 6,2 in
Edition 3 + A/P
De la serie Cimbar
2013
Caja de luz en acero plegado
Impresión fotográfica en duratrans
24 x 16 cm
Edición 3 + A/P
From the series Tuning
2013
Folded steel backlight
Photographic print in duratrans
9,4 x 6,2 in
Edition 3 + A/P
De la serie Cimbar
2013
Caja de luz en acero plegado
Impresión fotográfica en duratrans
24 x 16 cm
Edición 3 + A/P
From the series Tuning
2013
Folded steel backlight
Photographic print in duratrans
9,4 x 6,2 in
Edition 3 + A/P
De la serie Cimbar
2013
Vista de instalación
From the series Tuning
2013
Installation view
De la serie Cimbar
2013
Vista de instalación
From the series Tuning
2013
Installation view
De la serie Cimbar
2013
Vista de instalación
From the series Tuning
2013
Installation view
La serie esta compuesta de una fotografía, Mujer en blusa con ribete, y una videoinstalación, Déjà vu, una proyección de una figura femenina sobre un huevo en tamaño real.
Borges imaginó una esfera que, en dos o tres centímetros, reúne el cosmos. Vivian Galban, en Déjà vu, concentra la fuerza de la vida concebida como una suerte de joya pequeña donde una mujer neutra nada en los límites escasos del huevo real y del huevo metáfora. Es pura fuerza sin extensión, sin acontecimientos, que cifra también nuestra ignorancia. No sabemos lo que puede un cuerpo, dijo Spinoza, porque siempre la conciencia que tenemos de él es inferior a su potencia. Fuera del embrión, acecha el mundo.
Valeria Gonzalez
–
DEJAVÙ
DEJAVU es un proyecto de instalación minimalista y ascética de Vivian Galban, intensamente conectada a su visión del mundo y a su producción anterior. Persiste un dialogo binario que alguna vez tuvo que ver con el Ying Yang. Un cuerpo en un espacio amniótico primigenio y oval. Quien es? La generadora o el generado? Las ambiguedades condensadas en una misma capa se cuelan en la creación de la forma y en el despertar de los sentidos, alternativamente la obra es un video realizado con una serie de fotografías en secuencia, pero que semejan un dibujo, la mujer es un tanto adulta como un nonato. Un repertorio de gestos van quedando impresos en la conciencia como marcas para toda la vida. Son las primera defensas, los cierres y las aperturas que transitan la necesidad de autoprotección, la búsqueda de placer como aprendizajes sanadores, los primeros gestos que abren el capullo de la vida. Ensayos y errores en un intento de sanación. Vivian Galban es heredera del expresionismo, los ecos de Egon Schielle, Louise Bourgeois o Lucian Freud se hacen presente en su sentimiento trágico de la vida, en la crispación de la mirada. Figura, fondo, alegoría de la vida y de la muerte, principio y fin, un punto en el espacio donde se concentran todos los tiempos.
Graciela taquini, 2014
De la serie Déjà vu |
2013
Video instalación
Medidas variables
Edición 3 + AP
From the series Déjà vu
2013
Video installation
Variable dimensions Edition 3 + AP
De la serie Déjà vu |
2013
Video instalación
Medidas variables
Edición 3 + AP
From the series Déjà vu
2013
Video installation
Variable dimensions Edition 3 + AP
De la serie Déjà vu |
2013
Video instalación
Medidas variables
Edición 3 + AP
From the series Déjà vu
2013
Video installation
Variable dimensions Edition 3 + AP
De la serie Déjà vu |
2013
Video instalación
Medidas variables
Edición 3 + AP
From the series Déjà vu
2013
Video installation
Variable dimensions Edition 3 + AP
De la serie Déjà vu |
2013
Video instalación
Medidas variables
Edición 3 + AP
From the series Déjà vu
2013
Video installation
Variable dimensions Edition 3 + AP
La Serie Anima, fotografía y video de Vivian Galban, con lleva la búsqueda expresiva de la existencia y condición humana.
Un plano liso negro da espacio a la inquietud y a su vez contiene y busca sentido.
En cuanto a lo formal hay una síntesis que nos hace pensar en la influencia del arte primitivo y en la necesidad de sintetizar un mensaje.
El tiempo necesario para el reconocimiento de las partes fraccionadas del cuerpo imploran recomponer la totalidad, nos acerca a a una búsqueda cubista.
El contraste simultaneo del plano liso negro bordeando la forma hecha de luz, hace aparecer el expresionismo del cuerpo, el dramatismo y el movimiento inherente a la totalidad de la obra.
Anima abre el cuestionamiento y nos convoca al recuerdo acerca del ser humano y su condición animal. Condensa en forma atemporal, memoria, recuerdo, y futuro.
Graciela Taquini
Curadora
De la serie Anima
2012
Digital C-Print on Fuji Pearl Photo Paper
Dimensiones 90×90
Edición 6 + AP
From the series Anima, 2012
Digital Type-C print on Fuji Pearl Photo paper
Dimensions 35×35 in
Edition 6 + AP
De la serie Anima
2012
Digital C-Print on Fuji Pearl Photo Paper
Dimensiones 90×90
Edición 6 + AP
From the series Anima, 2012
Digital Type-C print on Fuji Pearl Photo paper
Dimensions 35×35 in
Edition 6 + AP
De la serie Anima
2012
Digital C-Print on Fuji Pearl Photo Paper
Dimensiones 90×90
Edición 6 + AP
From the series Anima, 2012
Digital Type-C print on Fuji Pearl Photo paper
Dimensions 35×35 in
Edition 6 + AP
De la serie Anima
2012
Digital C-Print on Fuji Pearl Photo Paper
Dimensiones 90×90
Edición 6 + AP
From the series Anima, 2012
Digital Type-C print on Fuji Pearl Photo paper
Dimensions 35×35 in
Edition 6 + AP
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